Jeder Film spricht eine Art Geheimsprache. Sie hat wenig damit zu tun, was unsere Lieblingsfiguren sagen oder tun, sondern vielmehr damit, wie sie dargestellt werden und welche Wirkung dies auf das Publikum hat. In einem gut gemachten Film wird nichts dem Zufall überlassen. Die Sprache des Films zu verstehen, ermöglicht es uns, das Gesehene und Gehörte zu beschreiben. Sobald wir die Funktionsweise dieser filmischen Mittel begreifen, können wir die Ästhetik eines Films umso mehr wertschätzen.
Bei der Untersuchung von Beispielen der Filmsprache betrachten wir, was präsentiert wird, wie es gezeigt wird und vor allem, welche Wirkung diese Mittel auf den Zuschauer haben. Von der Vorproduktion über die Dreharbeiten bis zur Postproduktion – hier ist eine Liste mit zehn Wegen, wie Filme auf subtile Weise mit uns kommunizieren.
1. Einstellungsaufnahme
Eine Einstellungsaufnahme ist typischerweise die allererste Einstellung eines Films oder einer Szene. Wie wir wissen, besteht ein Film aus Sequenzen, die wiederum zu Szenen zusammengefasst werden, welche sich ihrerseits aus verschiedenen Einstellungen zusammensetzen. Wie der Name schon sagt, etabliert eine Einstellungsaufnahme die Erzählung visuell. Da es die erste Einstellung einer Szene ist, die wir zu sehen bekommen, ist es wichtig, den ersten Eindruck richtig zu gestalten.
Doch was genau vermittelt die Einstellungsaufnahme? Zum einen kann sie uns einen ersten Überblick über den Schauplatz und/oder die beteiligten Figuren geben. Wenn der Film sicherstellen will, dass wir wissen, wann und wo er spielt, werden Zeit und Ort sogar explizit genannt. Ein weiteres praktisches Beispiel ist die Kult-Sitcom Seinfeld . Kurze Einstellungsaufnahmen von Jerrys Wohnung oder dem legendären Restaurant sorgen dafür, dass wir sofort wissen, wo die nächste Szene spielt.
Neben dem Offensichtlichen prägt eine Einstellungsaufnahme auch die Erwartungen des Publikums hinsichtlich Stimmung, Thema und Kontext. Der Anblick eines Wüstenplaneten aus dem Weltraum, während ein großes Raumschiff von einem noch größeren verfolgt wird, vermittelt sofort den Eindruck, ein Science-Fiction-Abenteuer an einem unwirtlichen Ort zu sehen.
Achten Sie außerdem auf die wiederkehrenden Einstellungen desselben Ortes, die uns beim Szenenwechsel an den Schauplatz und die damit verbundene Atmosphäre erinnern sollen. Das heißt nicht, dass wir nicht in der ersten Einstellung einer Szene eine Nahaufnahme eines tropfenden Wasserhahns verwenden können. Doch dies hätte den gegenteiligen Effekt: Es würde den Zuschauer zeitlich und räumlich orientieren und seine Neugierde wecken, worum es eigentlich geht.
2. Charaktervorstellung
Die erste Einstellung, die die Stimmung eines Films oder einer Szene prägt, ist das erste Auftreten einer Figur. Die Figuren sind im wahrsten Sinne des Wortes die Seele einer Geschichte. Ihr erster Eindruck ist entscheidend dafür, dass das Publikum eine Verbindung zu ihnen aufbaut. Wir erfahren zu Beginn ihrer Charakterentwicklung, wer sie sind und mit welchen Konflikten sie konfrontiert werden. Woher kommen sie, was treibt sie an, wohin gehen sie und wie – wenn überhaupt – gelangen sie dorthin?
Die Einführung von Captain Jack Sparrow in „Fluch der Karibik“ (2003) ist ein perfektes Beispiel. Zuerst sieht man Sparrow im Krähennest seines Schiffes segeln. Er wirkt stolz und entschlossen, mit einem Anflug von Bitterkeit. In der nächsten Einstellung wird enthüllt, dass er nur in einem winzigen, leckgeschlagenen Boot segelt. Dies steht im Kontrast zu seinem Auftreten und deutet den Konflikt um sein verschollenes Schiff, die Black Pearl, an.
Während unser Protagonist in einen Hafen einläuft, wird diese Atmosphäre von einem eindrucksvollen Soundtrack untermalt. Sparrow passiert eine Gruppe gehängter Piraten, denen er huldigt, was darauf schließen lässt, dass er höchstwahrscheinlich selbst einer von ihnen ist. Schließlich, als sein halb gesunkenes Boot im perfekten Moment den Hafen erreicht, steigt der Pirat aus seinem Krähennest direkt auf das Dock.
Es ist eine raffinierte Einführung des Charakters. Der Kapitän wird in Gefahrensituationen als ruhig und berechnend dargestellt, doch die gesamte Szene hat auch einen humorvollen und skurrilen Unterton. Sie vermittelt eine Fülle an Informationen über den Charakter, macht ihn interessant und baut Spannung auf, wohin die Geschichte ihn führen wird. Und das alles, ohne dass er ein einziges Wort spricht.
3. Durchschnittliche Schusslänge
Natürlich besteht das Filmemachen aus mehr als nur dem Aneinanderreihen perfekter Einstellungen. Auch die durchschnittliche Einstellungslänge (ASL) hat einen erheblichen Einfluss auf den Film als Ganzes. Diese statistische Kennzahl wird in Sekunden angegeben und berechnet sich, indem man die Gesamtlaufzeit des Films durch die Anzahl der Einstellungen teilt. Zum Vergleich: Seit den 1930er-Jahren ist die durchschnittliche Einstellungslänge genreübergreifend von 12 auf 2,5 Sekunden gesunken
Ein modernerer Actionfilm wie „Die Bourne Verschwörung “ (2004) hat eine durchschnittliche Bildsequenz (ASL) von 2,4 Sekunden. Man denke nur daran, wie die Bourne-Reihe jedes Detail und jeden Aspekt der Kampf- und Verfolgungsjagden durch schnelle Nahaufnahmen aus verschiedenen Perspektiven zeigt. Stanley Kubricks „ 2001: Odyssee im Weltraum “ (1968) hingegen hat eine ASL von 13 Sekunden. Er zeichnet sich durch deutlich längere Einstellungen aus, die die Weite des Weltraums und die eleganten Bewegungen der Raumstationen eindrucksvoll .
Sprechtempo und Tonfall beeinflussen, wie wir unsere Botschaft vermitteln . Ähnlich verhält es sich mit der durchschnittlichen Einstellungslänge (ASL), wenn man sie als Taktgeber des Kinoerlebnisses betrachtet. Viele kurze, prägnante Einstellungen erwecken den Eindruck einer hektischen Umgebung. Längere Einstellungen hingegen eignen sich besser für einen langsamen Spannungsaufbau. Obwohl sich die ASL scheinbar mit unserem immer schnelllebigeren Alltag weiterentwickelt hat, ist sie auch genre- und regisseurspezifisch. Die durchschnittliche Einstellungslänge von Actionfilmen ist tendenziell kürzer als die von Horrorfilmen.
4. Schwindel-Effekt
Der Vertigo-Effekt wurde erstmals von Alfred Hitchcock in seinem Klassiker „Vertigo“ von 1958 verwendet. Er entsteht, indem man die Kamera auf das Motiv zubewegt und gleichzeitig herauszoomt oder umgekehrt. Während das Motiv im Bildausschnitt gleich groß bleibt, scheint sich der Hintergrund zum Vordergrund hin oder von ihm weg zu verschieben. Der Effekt hat viele Namen. Da er oft mit einem kleinen Kamerawagen, dem Dolly, erzeugt wird, ist er auch als Dolly-Zoom bekannt. Man kennt ihn vielleicht auch als Posauneneffekt oder Hitchcock-Effekt.
Denn 1958 nutzte Hitchcock diese Technik, um die Höhenangst und die Angst vor dem Fallen seiner Figuren zu veranschaulichen. Die Idee war, beim Publikum dasselbe Gefühl hervorzurufen. Es ist eine klassische Technik, die in vielen Filmen verwendet wird, um Unbehagen, Druck oder Benommenheit zu erzeugen. Fügt man noch etwas schrille Musik hinzu, bekommt man eine Vorstellung davon, wie sich Roy Scheiders Figur in „Der weiße Hai “ (1975) fühlt, als sie Zeugin eines Haiangriffs wird.
5. Lange Einstellung
Dieses Beispiel der Filmsprache erfordert noch mehr Geschick. Eine Einstellung ist die ununterbrochene Aufnahme einer einzigen Bildsequenz. Um eine perfekte Einstellung für die Endfassung eines Films zu erhalten, sind oft viele Einstellungen nötig. Je länger die Einstellung, desto schwieriger ist es natürlich, alles perfekt hinzubekommen. Eine gut ausgeführte lange Einstellung kann jedoch viel bewirken.
Die Eröffnungsszene von Orson Welles' „ Im Zeichen des Bösen “ (1958) besteht aus einer über dreiminütigen, ungeschnittenen Einstellung in Echtzeit. Diese ununterbrochene Einstellung wird zudem mit einer Kamerafahrt realisiert, bei der eine an einem Kran befestigte Kamera der Handlung über Dächer und durch die belebten Straßen einer Stadt folgt. Zu Beginn sieht man eine Bombe mit Zeitzünder im Kofferraum eines Autos. Der Zuschauer folgt dem Wagen, bis die Perspektive wechselt und die Protagonisten das Auto mit der Bombe aus den Augen verlieren. Wann wird die Bombe explodieren?
Die dramatische Wirkung ist sofort spürbar. Wells' Einsatz einer langen Kamerafahrt erzeugt Spannung und Nervenkitzel. Das Publikum kann die Sekunden des Zeitzünders der Bombe im Kopf herunterzählen und sich fragen, wo sich das Auto im Moment der Explosion befinden wird.
6. Method Acting
Wenn die Figuren die Seele eines Films sind, dann ist es ihr Schauspiel, das sie zum Leben erweckt. Die Filmsprache kennt verschiedene Schauspielmethoden, doch Method Acting, auch bekannt als „The Method“, ist wohl die bekannteste. Vereinfacht gesagt, ist Method Acting eine Reihe von Schauspieltechniken, bei denen der Schauspieler versucht, die Eigenschaften der Figur in sich selbst zu entdecken. Was sind die tiefsten Emotionen und Motivationen der Figur? Wie kann ich diese in mir erschließen und verstärken, um darzustellen ?
Forest Whitakers Darstellung des ugandischen Diktators Idi Amin in „ Der letzte König von Schottland “ (2006) gilt weithin als Beispiel für Method Acting. Er studierte die Geschichte Ugandas und lernte Suaheli. Whitaker verbrachte Zeit in Uganda bei engen Verwandten von Idi Amin und suchte in sich nach dem Wahnsinn der Macht, dem Verrat, der Unberechenbarkeit und der Paranoia, die so zentral für den Charakter des Diktators sind. Auch wenn dies nicht im engeren Sinne als Method Acting gilt, ist bemerkenswert, dass Whitaker am Set angeblich nie aus seiner Rolle fiel.
Im Falle von Whitaker ist das Ergebnis eine fesselnde und wahrhaft erschreckende Darbietung, die ihm 2007 den Oscar als bester Hauptdarsteller einbrachte. Seinen eigenen Angaben hatte er nach Abschluss der Dreharbeiten etwas Mühe, aus der Rolle des Idi Amin herauszukommen.
7. Montage
Zeig viele Dinge gleichzeitig,
Team America: Weltpolizei, Montage
erinnere alle daran, was los ist.
Und mit jeder Einstellung zeigst du eine kleine Verbesserung.
Alles zu zeigen, würde zu lange dauern.
Das nennt man
Oh, wir wollen eine Montage!
Im allgemeinen Filmjargon bezeichnet eine Montage eine Reihe kurzer, zusammengeschnittener Einstellungen, die dem Publikum den Eindruck vermitteln, dass Zeit vergeht. Typischerweise zeigt sie verschiedene Ereignisse mit untermalter Musik und ohne Dialoge. Wie das „Team America“ andeutet, wird sie oft verwendet, um die Fortschritte eines Helden im Training darzustellen, ohne die Laufzeit des Films zu sprengen und die Geduld des Publikums zu strapazieren.
Ein besonders raffiniertes Beispiel für diese Art von Filmsprache ist eine Montage aus „Der 13te Krieger “ (1999), die den langen Prozess des Sprachenlernens veranschaulicht. Auf seinen Reisen wird der arabische Hofdichter Ahmad Ibn Fadlan (Antonio Banderas) von Nordmännern gerettet. Er schließt sich ihnen auf ihrem langen Weg zurück in den Norden an, taucht dabei in ihre Sprache ein und lernt sie allein durch Zuhören. Die Montage zeigt ihn Nacht für Nacht am Lagerfeuer sitzend, den Nordmännern beim Sprechen zuhörend und beobachtend.
Mit fortschreitenden Sprachkenntnissen versteht Ahmad (und damit auch das Publikum) immer mehr Wörter. Bis er eines Tages endlich antworten und sich an den Gesprächen seiner Mitreisenden beteiligen kann – sehr zum Erstaunen der Nordmänner. Die Montage zeigt dem Publikum nicht nur, wie Ahmad spricht, sondern zeugt auch von seiner Intelligenz, seinem Witz und seiner Geduld. So sehr die Montage auch zu einem abgedroschenen Erzählmittel geworden ist, sei Odin dafür gedankt. Wer möchte schon die Mühen und Leiden des Sprachenlernens live miterleben?
8. Vorlesestunde
die Serie „24“ gesehen haben , ist Ihnen wahrscheinlich bekannt, dass die Laufzeit eines Films sich deutlich von der Zeitspanne der erzählten Geschichte unterscheidet. Beispielsweise beträgt die Laufzeit von „Forrest Gump“ (1994) etwa 2 Stunden und 15 Minuten (kein Wortspiel beabsichtigt). Die Handlung hingegen erstreckt sich über 30 Jahre, von den 1950er- bis zu den 1980er-Jahren, wodurch der Zuschauer das Gefühl erhält, eine wahrhaft epische Geschichte zu erleben.
Christopher Nolans Inception (2010) und Interstellar (2014) gehen noch einen Schritt weiter und spielen mit surrealen Zeitkonzepten Inception die Figuren im Traum fünf Minuten ihrer realen Welt als eine Stunde. Interstellar hingegen thematisiert die Zeitdilatation und die für manche Figuren aufgrund ihrer Nähe zu Schwarzen Löchern deutlich schnellere Zeit.
Anders ausgedrückt: Für manche Figuren spielt sich die Geschichte innerhalb weniger Augenblicke oder Monate ab, für andere erstreckt sie sich über Stunden oder Jahrhunderte. Nolans Umgang mit der Zeit kann für das Publikum durchaus verwirrend und verblüffend sein. Er verleiht seinen Filmen zweifellos eine faszinierende zusätzliche Ebene.
9. Rahmung
In der Filmsprache ist das, was in einer Einstellung zu sehen ist (oder eben nicht zu sehen ist), genauso wichtig wie das, was die Figuren tun und sagen (oder nicht tun). Die Wirkung eines einzelnen Bildes auf den Zuschauer hängt nicht nur von Kameraabstand und -winkel ab, sondern auch von der Komposition der Motive und Objekte im Bildausschnitt. Zugegeben, die Bildgestaltung wirkt oft pragmatisch. Nicht jeder Film liefert Bilder, die man problemlos wie ein Gemälde rahmen könnte. Doch die richtige Bildgestaltung kann einen enormen Unterschied machen.
Die sogenannte lockere und enge Bildkomposition lässt viel Raum zwischen den Figuren einer Szene. Sie kann die Freiheit – oder deren Fehlen – einer Figur verdeutlichen. Achten Sie außerdem auf den positiven Raum im Bildausschnitt, also den Bereich, der mit Figuren und Objekten gefüllt ist. Der negative Raum hingegen ist der leere Bereich, der genutzt werden kann, um die Aufmerksamkeit auf die Figuren im Bildausschnitt zu lenken. Ein Mangel an negativem Raum kann ein Bild überladen wirken lassen und ein Gefühl der Unruhe hervorrufen.
Aber es kommt ganz darauf an, wie wir den Bildausschnitt gestalten. In „Red Light, Green Light“, dem ersten Spiel der koreanischen Squid Game- (2021), müssen die Spieler ein ebenes Feld durchqueren, um zu gewinnen. Die Inszenierung der Charaktere nutzt sowohl enge als auch negative Bildkompositionen und erzeugt so eine beunruhigende Wirkung. Die Spieler können sich zwar frei bewegen, sind aber an die unerbittlichen Regeln des Spiels gebunden, in dem sie gefangen sind. Das Gefühl der Unruhe entsteht durch das Nebeneinander von Freiheit und Gefangenschaft, das durch die Bildkomposition vermittelt wird.
10. Hitchcocks Regel
Tatsächlich ist die Bildgestaltung so wichtig, dass Alfred Hitchcock eine ganz spezielle Regel dafür aufgestellt hat. Was sollte überhaupt im Bild sein und wie prominent sollte es dargestellt werden? Hitchcocks Regel ist eine Filmsprache, die diese Fragen beantwortet:
Die Größe eines Objekts im Bildausschnitt sollte seiner Bedeutung in diesem Moment entsprechen.
Tatsächlich spielt die oben erwähnte Eröffnungsszene von „ Im Zeichen des Bösen“ ziemlich stark mit dieser Regel. Die Bildgestaltung der ersten Einstellung legt großen Wert auf die im Auto platzierte Bombe und den Zeitzünder. Im weiteren Verlauf der Szene bleibt das Auto mit der Bombe prominent im Bild. Die Kamera konzentriert sich jedoch zunehmend auf andere Objekte und Figuren. Man könnte sagen, die darauffolgende Bildgestaltung soll die Aufmerksamkeit des Publikums von dem präparierten Auto ablenken. Bis es plötzlich als riesiger Feuerball wieder auftaucht und das gesamte Bild ausfüllt.
Hitchcocks Regel wirkt fast wie eine Variante von Tschechows Gewehr , der Regel, dem Publikum keine falschen Versprechungen zu machen. Das führt uns zurück zu der Erkenntnis, dass jedes einzelne Bild ein Kunstwerk ist. Ein kleines Missverständnis hier, ein kleines Missverständnis dort, und schon sieht das Publikum einen ganz anderen Film, als beabsichtigt war.
Bonus: Kuleschow-Effekt
Es ist ein bekanntes Klischee, dass Filme im Schneideraum entstehen. Die Art des Schnitts kann die Aussagekraft des Films maßgeblich verändern. Das Phänomen, dass allein der Schnitt die Emotionen des Publikums beeinflussen kann, ist als Kuleschow-Effekt bekannt. Lew Kuleschow war ein russischer Filmemacher und -theoretiker. Er wies den nach ihm benannten Effekt bereits 1918 in einem Experiment nach.
Zunächst filmte Kuleschow eine lange Nahaufnahme des Gesichts eines Schauspielers, der mit neutralem Ausdruck einfach nur dasaß. Dann schnitt der russische Filmemacher zu verschiedenen zweiten Einstellungen, darunter eine Schüssel Suppe, ein Kind in einem Sarg und eine Frau auf einem Sofa. In Kombination mit der gleichen Einstellung des neutralen Gesichtsausdrucks weckte die Suppenszene Hungergefühle. Die Sargszene rief beim Publikum Trauer hervor. Die Frau auf dem Sofa wurde mit Gefühlen der Lust in Verbindung gebracht.
Kuleschows Experiment zeigte, dass zwei aufeinanderfolgende Einstellungen aussagekräftiger sind als eine einzelne. Wenn es darum geht, das Publikum durch einen Film zu führen und die emotionale Wirkung der Szenen zu beeinflussen, ist der Schnitt von entscheidender Bedeutung. Es scheint sogar, als könne ein Filmeditor aus dem ungeschicktesten Möchtegern-Schauspieler einen Shakespeare-Darsteller machen.
Schlussgedanken
Filme kommunizieren mit uns weit über das hinaus, was explizit gezeigt wird. Sobald wir die Sprache des Films beherrschen, fällt es uns schwer, all die subtilen Arten, wie unsere Aufmerksamkeit gefesselt wird, zu ignorieren. Doch wie bei jeder Sprache bedeutet die Beherrschung der Filmsprache auch, mit ihren Regeln spielen . Nichts überrascht und unterhält selbst das wortgewandteste Publikum besser als ein gekonnter Regelbruch, der ein anerkennendes „Aha!“ hervorruft.
